Avec une œuvre présentée pour la première fois au Portugal, le duo d’artistes a sélectionné pour l’exposition « O Nu e a madeira » dix sculptures et deux œuvres vidéo disposées symétriquement dans les salles d’exposition, ouvertes jusqu’au 22 mai 2022, curated by par Bruno Marchand, programmateur en arts visuels chez Culturgest.
La présence à Lisbonne, après avoir visité plusieurs lieux d’exposition en Suisse, en Allemagne et en Autriche, « semence la position de ce duo dans le circuit international de l’art contemporain », a souligné le commissaire, s’adressant aux journalistes lors d’une visite en présence de Gregory Gicquel.
Le parcours s’ouvre sur les sculptures en bois de chêne, créées au cours des deux dernières années, qui associent des formes humaines naturelles, animales et végétales à des meubles utilitaires à grande échelle, résultat d’un travail qui, par choix, fait appel aux techniques traditionnelles de la sculpture.
Les formes, citrouilles, courges, escargots, pieds humains déformés à sept doigts, segments de corps masculins musclés, têtes de cochons ou intestins humains, contrastent avec la simplicité du bois et l’utilitarisme des meubles en bois, au même titre que les toilettes, lavabos et bulots géants sont comme « à moitié déterrés » de gros blocs de marbre rose.
« Dans ces pièces, il y a une volonté de contaminer les valeurs actuelles de l’art contemporain, en même temps que les artistes jouent un jeu permanent avec le dérèglement du système capitaliste », a pointé Bruno Marchand.
La découverte du marbre rose portugais a été faite par les artistes il y a quelques années, lorsqu’ils ont réalisé un projet aux Pays-Bas, et ils ont dû choisir ce type de matériau pour créer une pièce : « Ce marbre est très doux à travailler et a une tonalité qui nous plaisait car elle ressemble à celle du corps humain », explique Grégory Gicquel, né à Saint-Brieuc, France, en 1975, à propos des blocs provenant des carrières de l’Alentejo.
Gicquel a rencontré Daniel Dewar, né à Forest of Dean, Royaume-Uni, en 1976, alors qu’ils étaient étudiants universitaires, et ils ont commencé leur collaboration artistique à la fin des années 1990, en commençant par la présentation dans l’espace public, sans annonce préalable, de performances à long terme. . .
Pendant huit heures – la journée de travail habituelle – les artistes ont reproduit, encore et encore, des gestes ou des actions apparemment simples, comme faire rebondir une balle sur le sol ou manger une glace, a déclaré le conservateur à propos du parcours des artistes.
A cette époque, « ce qui les intéressait n’était pas de produire des objets ou de sensibiliser du public, c’était de s’engager dans une activité et de la perfectionner le temps d’une journée, comme s’ils voulaient devenir experts dans des tâches anodines ».
La performance continue de marquer la créativité de ce duo, dans des projets originaux, comme la création d’une agence de voyages avec des offres tout aussi anodines : des promenades dans le parc, ou un trajet en bus jusqu’à l’école.
L’objectif était de souligner l’importance et la valeur des gestes et activités répétitifs et simples dans la vie de tous les jours.
Une autre des principales caractéristiques du travail de Gicquel et Dewar est l’activité totalement manuelle, ayant développé « une obsession de l’autonomie productive et de l’indépendance de tous les types de services tiers, une circonstance qui les a lancés dans un voyage épique pour récupérer les tâches traditionnelles comme le travail de la terre cuite, du métal, du bois, de la pierre ou du textile ».
Les premiers objets qu’ils ont produits en utilisant ces techniques étaient des répliques, faites à la main, de pièces telles que des moulinets de pêche, des porte-vélos, des planches à roulettes, des pantalons et des t-shirts, des baskets et d’autres éléments associés aux loisirs. .
Dans l’ensemble, « ces objets ont rendu encore plus clair l’intérêt des artistes à mettre la performativité et la compétence au service des activités récréatives, du sport et, finalement, du plaisir ».
D’autre part, cela leur a permis de « retourner à l’envers les traditions que le ‘ready-made’ et l »objet trouvé’ ont établies dans le contexte artistique », encadrait Bruno Marchand.
Après Lisbonne, l’exposition devrait être présentée à São Paulo au Brésil.
SA // TDI
